10 najbardziej znanych obrazów na świecie

Sztuka ma moc, by nas poruszać, inspirować i wywoływać w nas całą gamę emocji. Na przestrzeni dziejów artyści tworzyli arcydzieła, które przetrwały próbę czasu i do dziś zachwycają widzów. Stworzenie listy 10 najsłynniejszych obrazów na świecie nie jest łatwe, ponieważ jest to zadanie niezwykle subiektywne. Jednak stworzyliśmy listę 10 najbardziej znanych obrazów na świecie, z których każdy jest wyjątkowym arcydziełem na swój sposób.

Zwróć uwagę, że obrazy nie są ułożone w żadnej konkretnej kolejności, a kryteria, które zastosowaliśmy, to po prostu unikanie powtórzeń autorów i wybór obrazów na płótnie, z wyłączeniem serii. Na przykład, gdybyśmy uwzględnili inny obraz Leonarda da Vinci, byłby to trudny wybór, biorąc pod uwagę jego liczne, dobrze znane dzieła, takie jak Ostatnia wieczerza czy Człowiek witruwiański. Ponadto Kaplica Sykstyńska Michała Anioła i Lilie wodne Moneta są niewątpliwie ikonicznymi dziełami sztuki, które powinny się na niej znaleźć, ale nie spełniają kryteriów, które ustaliliśmy dla tej listy.

Choć ta lista nie jest w żadnym wypadku wyczerpująca, te 10 obrazów z pewnością zasłużyło na miejsce w kanonie historii sztuki i nadal nas inspiruje i porusza.

Mona Lisa

Mona Lisa (szczegół) Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons
- Artysta: Leonardo da Vinci
- Rok: ok. 1503-1506
- Gdzie można ją zobaczyć: Muzeum Louvre, Paryż, Francja
Mona Lisa jest prawdopodobnie najbardziej znanym obrazem na świecie. Przedstawia kobietę, którą uważa się za Lisę Gherardini, żonę Francesco del Giocondo. Enigmatyczny uśmiech i spojrzenie tej kobiety od wieków przyciągają wyobraźnię widzów.

Obraz ten, znany również jako La Gioconda, został stworzony przez włoskiego artystę renesansowego Leonarda da Vinci na początku XVI wieku. Obraz jest niewielki, ma wymiary zaledwie 30 x 21 cali (77 x 53 cm) i został namalowany w technice olejnej na płycie z drewna topoli.

Mona Lisa jest sławna nie tylko ze względu na temat, ale także na kompozycję i technikę. Postać Lisy jest umieszczona na tle krajobrazu z górami i wodą i namalowana techniką znaną jako sfumato, w której kolory mieszają się ze sobą w miękki i mglisty sposób.

Obraz ma za sobą fascynującą historię - został skradziony z Muzeum Luwru w Paryżu w 1911 roku i doczekał się różnych interpretacji i teorii dotyczących jego tematyki i symboliki. Dziś pozostaje jednym z najbardziej popularnych i rozpoznawalnych dzieł sztuki na świecie, a w Luwrze co roku odwiedzają go miliony ludzi.
Gwieździsta noc

Gwiaździsta noc Vincent van Gogh, domena publiczna, Wikimedia Commons
- Artysta: Vincent van Gogh
- Rok: 1889
- Gdzie można go zobaczyć: Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork, USA
Gwiaździsta noc to obraz olejny przedstawiający widok z pokoju Van Gogha w przytułku Saint-Paul-de-Mausole we Francji. Obraz słynie z wirującego nieba, które ma przedstawiać ówczesne emocje Van Gogha.

Gwiaździsta noc została namalowana przez Vincenta van Gogha w 1889 roku, podczas jego pobytu w przytułku, do którego trafił po załamaniu psychicznym. Obraz przedstawia widok z okna azylu na wioskę Saint-Rémy-de-Provence na południu Francji.

Zawirowane niebo na obrazie, z jasnymi gwiazdami i półksiężycem, stało się jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w historii sztuki. Godne uwagi jest również użycie przez Van Gogha koloru i faktury na obrazie, z grubymi pociągnięciami pędzla i odważnymi, kontrastowymi odcieniami.

Pomimo statusu jednego z najbardziej znanych obrazów na świecie, Gwiaździsta noc nie została dobrze przyjęta za życia Van Gogha. Dopiero po jego śmierci jego dzieło zyskało powszechne uznanie i renomę. Obecnie obraz jest częścią stałej kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku, gdzie jest jednym z najpopularniejszych i najczęściej odwiedzanych dzieł muzeum.
Krzyk

Krzyk (szczegół) Edvard Munch, domena publiczna, Wikimedia Commons
- Artysta: Edvard Munch
- Rok: 1893
- Gdzie można go zobaczyć: Galeria Narodowa, Oslo, Norwegia
Krzyk to obraz przedstawiający osobę krzyczącą na tle krwistoczerwonego nieba. Postać ta jest często interpretowana jako reprezentacja ludzkiego niepokoju i egzystencjalnego strachu.

Krzyk to obraz stworzony przez norweskiego artystę Edvarda Muncha w 1893 roku. Obraz jest częścią serii dzieł, które Munch stworzył pod tytułem "Fryz życia", w której porusza tematy miłości, niepokoju i śmierci.

Obraz przedstawia postać ze zniekształconą twarzą i rękami przyłożonymi do uszu, stojącą na tle wirujących kolorów i krwistoczerwonego nieba. Śmiałe kolory i ekspresyjne pociągnięcia pędzla nadają obrazowi intensywność emocjonalną, która uczyniła go jednym z najbardziej ikonicznych dzieł sztuki na świecie.

Postać na obrazie Krzyk jest często interpretowana jako reprezentacja ludzkiego niepokoju i egzystencjalnej grozy, odzwierciedlając nastrój niepewności i niepokoju, jaki panował w Europie końca XIX wieku. Obraz stał się symbolem współczesnego niepokoju i był niezliczoną ilość razy przywoływany i parodiowany w kulturze popularnej.

Istnieją cztery wersje Krzyku: dwa obrazy, rysunek pastelowy i litografia. Jeden z obrazów znajduje się w Galerii Narodowej w Oslo, a drugi w kolekcji Muzeum Muncha, również w Oslo. Pastelowa wersja obrazu została sprzedana na aukcji w 2012 roku za prawie 120 milionów dolarów, co czyni ją jednym z najdroższych dzieł sztuki, jakie kiedykolwiek sprzedano.
Guernica

Guernica. Zdjęcie autorstwa Magall, CC BY-NC-ND 2.0
- Artysta: Pablo Picasso
- Rok: 1937
- Gdzie można ją zobaczyć: Museo Reina Sofia, Madryt, Hiszpania
Guernica to obraz przedstawiający bombardowanie miasta Guernica podczas hiszpańskiej wojny domowej. Obraz jest znany z wykorzystania abstrakcyjnych i zniekształconych form w celu oddania grozy i przemocy tego wydarzenia.

Guernica to wielkoformatowy obraz stworzony przez hiszpańskiego artystę Pablo Picasso w 1937 roku. Obraz powstał w odpowiedzi na zbombardowanie miasta Guernica podczas hiszpańskiej wojny domowej, dokonane przez niemieckie i włoskie samoloty wojenne na prośbę sił nacjonalistycznych pod przywództwem generała Franco.

Obraz przedstawia horror i przemoc bombardowania za pomocą wielu abstrakcyjnych i zniekształconych form. Centralną postacią na obrazie jest koń, który wije się w agonii z rozległą raną w boku. Inne postacie, w tym kobieta z podniesioną ręką i byk, są również przedstawione we fragmentarycznych i zniekształconych formach. Monochromatyczna kolorystyka obrazu, składająca się z czerni, bieli i szarości, potęguje poczucie ponurości i rozpaczy.

Guernica stała się jednym z najbardziej znanych obrazów antywojennych na świecie i pozostaje potężnym symbolem okrucieństwa wojny. Obraz był interpretowany na wiele sposobów, niektórzy widzieli w nim potępienie faszystowskich reżimów, które zdobywały władzę w ówczesnej Europie, a inni widzieli w nim szerszą wypowiedź na temat ludzkich kosztów wojny i przemocy.

Obecnie Guernica znajduje się w Museo Reina Sofia w Madrycie, gdzie jest jednym z najcenniejszych eksponatów muzeum. Jest też jednym z najczęściej odwiedzanych dzieł sztuki w Hiszpanii, a po ponad 80 latach od powstania nadal inspiruje i prowokuje widzów.
Trwałość pamięci

Trwałość pamięci, zdjęcie autorstwa Mike'a Steele'a, CC BY 2.0
- Artysta: Salvador Dalí
- Rok: 1931
- Gdzie można go zobaczyć: Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork, USA
Trwałość pamięci to surrealistyczny obraz przedstawiający krajobraz z topniejącymi zegarami. Obraz ma przedstawiać płynność czasu i subiektywną naturę rzeczywistości.

Trwałość pamięci to surrealistyczny obraz stworzony przez hiszpańskiego artystę Salvadora Dali w 1931 roku. Obraz przedstawia opustoszały krajobraz z topniejącymi zegarkami, którymi obłożone są różne przedmioty, w tym zniekształcona twarz w centrum obrazu. Senną jakość obrazu potęguje obecność owadopodobnego stworzenia o zniekształconym ciele, które wydaje się wtapiać w krajobraz.

Topniejące zegary na obrazie stały się jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w historii sztuki nowoczesnej i były interpretowane na wiele sposobów. Niektórzy krytycy sugerują, że topniejące zegary symbolizują płynność czasu oraz fakt, że czas jest subiektywnym doświadczeniem, które można odczuwać inaczej w zależności od perspektywy. Inni sugerują, że zegary są odniesieniem do teorii względności, która była rewolucyjną ideą w dziedzinie fizyki w czasie, gdy powstawał obraz.

Dali był pod silnym wpływem idei Zygmunta Freuda i innych psychoanalityków, a "Uporczywość pamięci" została zinterpretowana jako przedstawienie podświadomego umysłu. Topniejące zegarki, zniekształcone twarze i inne surrealistyczne elementy obrazu mają przywoływać dziwną i nieprzewidywalną naturę snów oraz działanie ludzkiej psychiki.

Obecnie obraz The Persistence of Memory znajduje się w Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku, gdzie jest jednym z najpopularniejszych i najczęściej odwiedzanych dzieł w kolekcji muzeum. Pozostaje jednym z najbardziej ikonicznych obrazów surrealizmu i nadal fascynuje i intryguje widzów ponad 90 lat po jego powstaniu.

Narodziny Wenus

Sandro Botticelli, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
- Artysta: Sandro Botticelli
- Rok: ok. 1485
- Gdzie można go zobaczyć: Galeria Uffizi, Florencja, Włochy
Narodziny Wenus to obraz przedstawiający wyłaniającą się z morza rzymską boginię miłości. Obraz słynie ze swojej kompozycji i użycia kolorów i jest uważany za jedno z największych arcydzieł włoskiego renesansu.

Narodziny Wenus to obraz stworzony przez włoskiego artystę Sandro Botticellego w połowie lat 80. XIV wieku. Obraz przedstawia boginię Wenus, czyli Afrodytę z mitologii greckiej, stojącą w muszli morskiej i dmuchaną w kierunku brzegu przez Zefirusa, boga zachodniego wiatru. Po prawej stronie obrazu postać kobieca, prawdopodobnie jedna z Horae, czyli bogiń pór roku, wyciąga rękę, by przyodziać Wenus w kwiatową szatę.

Obraz wyróżnia się wdzięczną kompozycją i wykorzystaniem kolorów. Botticelli był znany ze swojej umiejętności tworzenia delikatnych, płynnych linii, a Narodziny Wenus pokazują tę umiejętność z wielkim efektem. Miękkie, pastelowe kolory i delikatne pociągnięcia pędzla tworzą poczucie eterycznego piękna i innego świata.

Narodziny Wenus powstały w czasie włoskiego renesansu, okresu wielkiej aktywności artystycznej i intelektualnej we Włoszech i w całej Europie. Obraz odzwierciedla renesansowe zainteresowanie mitologią klasyczną i humanizmem, który podkreślał wartość ludzkiego doświadczenia i wiedzy.

Obecnie Narodziny Wenus znajdują się w Galerii Uffizi we Florencji, gdzie są jednym z najpopularniejszych i najczęściej odwiedzanych dzieł muzeum. Obraz nadal jest podziwiany i badany ze względu na swoje piękno i znaczenie w historii włoskiej sztuki renesansowej.
Straż nocna

Straż nocna (szczegół) Rembrandt, domena publiczna, Wikimedia Commons
- Artysta: Rembrandt van Rijn
- Rok: 1642
- Gdzie można ją zobaczyć: Rijksmuseum, Amsterdam, Holandia
Straż nocna to obraz przedstawiający grupę milicjantów w Amsterdamie. Obraz jest znany z wykorzystania światła i cienia oraz dynamicznej kompozycji.

Straż nocna to obraz namalowany przez holenderskiego artystę Rembrandta van Rijn w 1642 roku. Przedstawia grupę milicjantów pod wodzą kapitana Fransa Bannincka Cocqa i jego porucznika Willema van Ruytenburcha, którzy przygotowują się do wymarszu. Obraz jest również znany jako Kompania Fransa Bannincka Cocqa i Willema van Ruytenburcha.

Straż Nocna wyróżnia się swoimi rozmiarami - ma około 11,91 stopy na 14,34 stopy. Jest również znany z wykorzystania światła i cienia, co tworzy dramatyczny i dynamiczny efekt. Obraz jest oświetlony z lewej strony, a światło pada na postacie w centrum obrazu. Postacie po prawej stronie są częściowo w cieniu, co dodaje obrazowi głębi i realizmu.

Straż Nocna powstała w okresie Złotego Wieku Holandii, czyli w okresie wielkiego rozkwitu artystycznego i gospodarczego tego kraju. Obraz odzwierciedla zainteresowanie Holendrów dumą obywatelską i patriotyzmem oraz znaczenie milicji obywatelskich w utrzymaniu porządku i ochronie kraju.

Obecnie Straż Nocna znajduje się w Rijksmuseum w Amsterdamie, gdzie jest jednym z najbardziej znanych i cenionych obiektów muzeum. Obraz jest uważany za arcydzieło holenderskiej sztuki barokowej i jest podziwiany za złożoną kompozycję, wykorzystanie światła i cienia oraz realistyczne przedstawienie postaci.
Las Meninas

Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons
- Artysta: Diego Velázquez
- Rok: 1656
- Gdzie można ją zobaczyć: Museo del Prado, Madryt, Hiszpania
Las Meninas to obraz przedstawiający hiszpańską rodzinę królewską i jej dworzan. Obraz słynie z zastosowania perspektywy i złożonej kompozycji, która była przedmiotem wielu analiz i interpretacji.

Las Meninas to obraz autorstwa hiszpańskiego artysty Diego Velázqueza. Został namalowany w 1656 roku i przedstawia hiszpańską rodzinę królewską, w tym króla Filipa IV i jego żonę królową Marianę, w otoczeniu ich dworzan i służby. Obraz jest uważany za jedno z największych arcydzieł hiszpańskiego Złotego Wieku.

Las Meninas wyróżnia się zastosowaniem perspektywy i złożoną kompozycją. Velázquez stworzył poczucie głębi dzięki zastosowaniu punktu zanikającego znajdującego się za postaciami na obrazie, który przyciąga wzrok widza do środka płótna. Obraz wyróżnia się także dużymi rozmiarami - ma wymiary około 10 stóp na 9 stóp.

Kompozycja obrazu była przedmiotem wielu analiz i interpretacji. Niektórzy historycy sztuki sugerują, że Velázquez umieścił na obrazie samego siebie, odbitego w lustrze z tyłu pokoju. Inni sugerują, że obraz jest komentarzem na temat roli artysty w społeczeństwie, a Velázquez został przedstawiony raczej jako członek dworu niż jako osoba z zewnątrz.

Obecnie Las Meninas znajduje się w Museo del Prado w Madrycie, gdzie jest jednym z najbardziej popularnych i cenionych obiektów muzeum. Obraz jest podziwiany za umiejętne wykonanie, złożoną kompozycję i nowatorskie wykorzystanie perspektywy i jest uważany za arcydzieło sztuki barokowej.
Dziewczyna z perłą

Dziewczyna z perłą (szczegół) Johannes Vermeer, domena publiczna, Wikimedia Commons
- Artysta: Johannes Vermeer
- Rok: 1665
- Gdzie można ją zobaczyć: Muzeum Mauritshuis, Haga, Holandia
"Dziewczyna z perłą" to obraz holenderskiego artysty Johannesa Vermeera. Obraz przedstawia młodą kobietę ubraną w niebiesko-złoty turban i duży kolczyk z perłą. Tło jest ciemne, a oświetlenie dramatyczne - światło pada na twarz i kolczyk dziewczyny. Obraz jest uważany za arcydzieło holenderskiego malarstwa Złotego Wieku i jest jednym z najbardziej znanych dzieł Vermeera."

"Dziewczyna z perłą" to obraz autorstwa Johannesa Vermeera, holenderskiego artysty z XVII wieku. Obraz przedstawia anonimową młodą kobietę ubraną w niebiesko-złoty turban i duży kolczyk z perłą. Tło obrazu jest ciemne, co tworzy dramatyczny efekt, a oświetlenie skupia się na twarzy i kolczyku dziewczyny, nadając im świetlistą jakość. Obraz jest powszechnie uważany za arcydzieło holenderskiego malarstwa Złotego Wieku i jest jednym z najbardziej znanych dzieł Vermeera.

Pomimo popularności obrazu, jego tożsamość pozostaje tajemnicą. Niektórzy historycy sztuki spekulują, że mogła to być służąca w domu Vermeera, podczas gdy inni uważają, że mogła to być prawdziwa modelka lub nawet wyidealizowany portret żony artysty. Niezależnie od tożsamości dziewczyny, jej enigmatyczny wyraz twarzy oraz wykorzystanie światła i cienia na obrazie od wieków przykuwają uwagę widzów. Dziś "Dziewczynę z perłą" można oglądać w muzeum Mauritshuis w Hadze, w Holandii, gdzie pozostaje uwielbianym i ikonicznym dziełem sztuki.
Pocałunek

Pocałunek (szczegół) Gustav Klimt, domena publiczna, Wikimedia Commons
- Artysta: Gustav Klimt
- Rok: 1907-1908
- Gdzie można go zobaczyć: Österreichische Galerie Belvedere, Wiedeń, Austria
Pocałunek to obraz przedstawiający parę obejmującą się i całującą w otoczeniu ozdobnych i dekoracyjnych wzorów. Obraz jest znany ze swojej zmysłowej i erotycznej tematyki, a także z użycia złotych liści i innych elementów dekoracyjnych.

"Pocałunek" to obraz austriackiego artysty Gustava Klimta, który powstał w okresie największego rozkwitu ruchu secesyjnego w latach 1907-1908. Obraz przedstawia parę zamkniętą w namiętnym uścisku i pocałunku. Mężczyzna pochyla się nad kobietą, a obie postacie otacza złota aura. Misterne i ozdobne wzory w tle są charakterystyczne dla stylu Klimta, który często łączył tradycyjne techniki malarskie z elementami dekoracyjnymi inspirowanymi sztuką starożytnego Egiptu i Bizancjum.

Obraz jest powszechnie uważany za jedno z arcydzieł Klimta i jest znany ze swojej zmysłowej i erotycznej tematyki. Uścisk dwóch postaci jest intymny i intensywny, co daje poczucie intensywnych emocji i pożądania. Zastosowanie złotego listka i innych elementów dekoracyjnych nadaje obrazowi luksusowy i zmysłowy charakter, co przyczyniło się do jego niesłabnącej popularności i wpływu.

"Pocałunek" można zobaczyć w Österreichische Galerie Belvedere w Wiedniu, gdzie jest uważany za jedno z najważniejszych dzieł muzeum. Obraz ten był również przedmiotem licznych reprodukcji i adaptacji i jest powszechnie uznawany za jeden z najbardziej ikonicznych obrazów w historii sztuki.

Te 10 obrazów to nie tylko ikoniczne dzieła sztuki, ale także arcydzieła, które warto zobaczyć osobiście. Każdy obraz opowiada wyjątkową historię i pozwala poznać artystyczny geniusz jego twórcy. Od enigmatycznego uśmiechu Mona Lisy po wirujące gwiazdy w Gwiezdnej nocy - te obrazy urzekały widzów przez pokolenia i nadal inspirują i poruszają nas do dziś.

Dlatego, jeśli masz możliwość, gorąco polecamy odwiedzenie muzeów, w których znajdują się te obrazy, aby na własnej skórze doświadczyć ich piękna i mocy.

10 najbardziej znanych obrazów na świecie

Spis treści

Mona Lisa

Gwieździsta noc

Krzyk

Guernica

Trwałość pamięci

Narodziny Wenus

Straż nocna

Las Meninas

Dziewczyna z perłą

Pocałunek