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As 10 pinturas mais famosas do mundo

A arte tem o poder de nos comover, de nos inspirar e de nos fazer sentir uma série de emoções. Ao longo da história, os artistas criaram obras-primas que resistiram ao teste do tempo e continuam a cativar o público até aos dias de hoje. Fazer uma lista das 10 pinturas mais famosas do mundo não é tarefa fácil, pois é uma tarefa incrivelmente subjectiva. No entanto, compilámos uma lista de 10 das pinturas mais conhecidas do mundo, cada uma delas uma obra-prima única por direito próprio.

Nota que os quadros não estão dispostos por uma ordem específica, os critérios utilizados foram simplesmente não repetir nenhum autor e seleccionar quadros sobre tela, excluindo séries. Por exemplo, se tivéssemos incluído outro quadro de Leonardo da Vinci, teria sido uma escolha difícil, tendo em conta as suas numerosas obras conhecidas, como A Última Ceia ou o Homem Vitruviano. Além disso, embora a Capela Sistina de Miguel Ângelo e os Nenúfares de Monet sejam, sem dúvida, obras de arte icónicas que deveriam ter sido incluídas, não cumprem os critérios que definimos para esta lista.

Embora esta lista não seja de modo algum exaustiva, estas 10 pinturas conquistaram certamente o seu lugar no cânone da história da arte e continuam a inspirar-nos e a comover-nos actualmente.

Índice de conteúdos

• Mona Lisa de Leonardo da Vinci
• A noite estrelada de Vincent van Gogh
• O Grito de Edvard Munch
• Guernica, de Pablo Picasso
• A persistência da memória, de Salvador Dalí
• O Nascimento de Vénus, de Sandro Botticelli
• A Ronda Nocturna, de Rembrandt van Rijn
• Las Meninas, de Diego Velázquez
• Meisje met de parel de Johannes Vermeer
• O Beijo, de Gustav Klimt

1. Mona Lisa

   Mona Lisa (pormenor) Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons

   • Artista: Leonardo da Vinci
   • Ano: c. 1503-1506
   • Onde a podes ver: Museu do Louvre, Paris, França

   A Mona Lisa é talvez o quadro mais famoso do mundo. Representa uma mulher, que se crê ser Lisa Gherardini, a esposa de Francesco del Giocondo. O sorriso e o olhar enigmático do quadro capturaram a imaginação dos espectadores durante séculos.

   A pintura, também conhecida como La Gioconda, foi criada pelo artista renascentista italiano Leonardo da Vinci no início do século XVI. O quadro é pequeno, medindo apenas 77 x 53 cm (30 x 21 polegadas), e foi pintado a óleo num painel de madeira de choupo.

   A Mona Lisa é famosa não só pelo seu tema, mas também pela sua composição e técnica. A figura de Lisa está inserida numa paisagem de montanhas e água, e foi pintada com uma técnica conhecida como sfumato, em que as cores se misturam de forma suave e nebulosa.

   O quadro tem uma história fascinante, incluindo o facto de ter sido roubado do Museu do Louvre, em Paris, em 1911, e de ter tido várias interpretações e teorias em torno do seu tema e simbolismo. Actualmente, continua a ser uma das obras de arte mais populares e reconhecidas do mundo, sendo visitada por milhões de pessoas todos os anos no Louvre.

2. A noite estrelada

   A Noite Estrelada Vincent van Gogh, Domínio público, via Wikimedia Commons

   • O artista: Vincent van Gogh
   • Ano: 1889
   • Onde podes ver: Museu de Arte Moderna, Nova Iorque, EUA

   A Noite Estrelada é uma pintura a óleo que retrata a vista do quarto de Van Gogh no asilo de Saint-Paul-de-Mausole, em França. O quadro é famoso pelo seu céu ondulante, que pretende representar as emoções de Van Gogh na altura.

   A Noite Estrelada foi pintada por Vincent van Gogh em 1889, durante a sua estadia no asilo onde se tinha internado depois de ter sofrido um esgotamento mental. O quadro retrata uma vista da sua janela no asilo, com vista para a aldeia de Saint-Rémy-de-Provence, no sul de França.

   O céu rodopiante do quadro, com as suas estrelas brilhantes e a lua crescente, tornou-se uma das imagens mais reconhecíveis da história da arte. O uso que Van Gogh faz da cor e da textura na pintura também é notável, com pinceladas grossas e tons ousados e contrastantes.

   Apesar de ser actualmente uma das pinturas mais famosas do mundo, A Noite Estrelada não foi bem recebida durante a vida de Van Gogh. Só depois da sua morte é que o seu trabalho ganhou reconhecimento e aclamação generalizados. Actualmente, o quadro faz parte da colecção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque, onde é uma das obras mais populares e frequentemente visitadas.

3. O grito

   O Grito (pormenor) Edvard Munch, Domínio público, via Wikimedia Commons

   • O artista: Edvard Munch
   • Ano: 1893
   • Onde o podes ver: Galeria Nacional, Oslo, Noruega

   O Grito é uma pintura que representa uma pessoa a gritar contra um céu vermelho-sangue. A figura é frequentemente interpretada como uma representação da ansiedade humana e do pavor existencial.

   O Grito é uma pintura criada pelo artista norueguês Edvard Munch em 1893. A pintura faz parte de uma série de obras que Munch criou sob o título "O Friso da Vida", que explora temas de amor, ansiedade e morte.

   A pintura retrata uma figura com um rosto distorcido e as mãos levantadas até às orelhas, sobre um fundo de cores rodopiantes e um céu vermelho-sangue. As cores arrojadas e as pinceladas expressivas da pintura conferem-lhe uma sensação de intensidade emocional que a tornou numa das obras de arte mais emblemáticas do mundo.

   A figura em O Grito é frequentemente interpretada como uma representação da ansiedade humana e do pavor existencial, reflectindo o clima de incerteza e inquietação que impregnava a Europa de finais do século XIX. A pintura tornou-se um símbolo da angústia moderna e foi inúmeras vezes referenciada e parodiada na cultura popular.

   Na verdade, existem quatro versões de O Grito: duas pinturas, um desenho em pastel e uma litografia. Uma das pinturas está alojada na Galeria Nacional em Oslo, Noruega, enquanto a outra está na colecção do Museu Munch, também em Oslo. A versão em pastel do quadro foi vendida em leilão por cerca de 120 milhões de dólares em 2012, o que faz dela uma das obras de arte mais caras alguma vez vendidas.

4. Guernica

   Guernica. Foto de Magall, CC BY-NC-ND 2.0

   • Artista: Pablo Picasso
   • Ano: 1937
   • Onde podes ver: Museo Reina Sofia, Madrid, Espanha

   Guernica é uma pintura que retrata o bombardeamento da cidade de Guernica durante a Guerra Civil Espanhola. O quadro é famoso pela sua utilização de formas abstractas e distorcidas para transmitir o horror e a violência do acontecimento.

   Guernica é uma pintura em grande escala criada pelo artista espanhol Pablo Picasso em 1937. A pintura foi criada em resposta ao bombardeamento da cidade de Guernica durante a Guerra Civil Espanhola, levado a cabo por aviões de guerra alemães e italianos a pedido das forças nacionalistas sob a liderança do General Franco.

   A pintura retrata o horror e a violência do bombardeamento utilizando uma série de formas abstractas e distorcidas. A figura central da pintura é um cavalo, que se contorce em agonia com uma ferida aberta no seu flanco. Outras figuras, incluindo uma mulher com um braço levantado e um touro, são também representadas em formas fragmentadas e distorcidas. O esquema de cores monocromático da pintura, preto, branco e cinzento, contribui para a sua sensação de desolação e desespero.

   Guernica tornou-se um dos quadros anti-guerra mais famosos do mundo e continua a ser um símbolo poderoso das atrocidades da guerra. Tem sido interpretado de várias formas, com alguns a vê-lo como uma condenação dos regimes fascistas que estavam a ganhar poder na Europa na altura, e outros a vê-lo como uma declaração mais ampla sobre o custo humano da guerra e da violência.

   Actualmente, Guernica encontra-se no Museu Reina Sofia, em Madrid, onde é um dos bens mais valiosos do museu. É também uma das obras de arte mais visitadas em Espanha e continua a inspirar e a provocar os espectadores mais de 80 anos após a sua criação.

5. A persistência da memória

   A persistência da memória, Foto de Mike Steele, CC BY 2.0

   • Artista: Salvador Dalí
   • Ano: 1931
   • Onde podes ver: Museu de Arte Moderna, Nova Iorque, EUA

   A Persistência da Memória é uma pintura surrealista que representa uma paisagem com relógios a derreter. A pintura pretende representar a fluidez do tempo e a natureza subjectiva da realidade.

   A Persistência da Memória é uma pintura surrealista criada pelo artista espanhol Salvador Dali em 1931. A pintura retrata uma paisagem desolada com relógios derretidos sobre vários objectos, incluindo um rosto distorcido no centro da pintura. A qualidade onírica da pintura é acentuada pela presença de uma criatura semelhante a um insecto com um corpo distorcido que parece estar a fundir-se na paisagem.

   Os relógios derretidos da pintura tornaram-se uma das imagens mais reconhecidas na história da arte moderna e têm sido interpretados de várias formas. Alguns críticos sugeriram que os relógios a derreter representam a fluidez do tempo e o facto de o tempo ser uma experiência subjectiva que pode parecer diferente consoante a perspectiva de cada um. Outros sugeriram que os relógios são uma referência à teoria da relatividade, que foi uma ideia revolucionária no campo da física na altura em que a pintura foi criada.

   Dali foi fortemente influenciado pelas ideias de Sigmund Freud e de outros psicanalistas, e A Persistência da Memória tem sido interpretada como uma representação do subconsciente. Os relógios a derreter, os rostos distorcidos e outros elementos surreais da pintura pretendem evocar a natureza estranha e imprevisível dos sonhos e o funcionamento da psique humana.

   Actualmente, A Persistência da Memória encontra-se no Museu de Arte Moderna (MoMA), em Nova Iorque, onde é uma das obras mais populares e frequentemente visitadas da colecção do museu. Continua a ser uma das imagens mais icónicas do surrealismo e continua a fascinar e intrigar os espectadores mais de 90 anos após a sua criação.

6. O nascimento de Vénus

   Sandro Botticelli, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

   • Artista: Sandro Botticelli
   • Ano: c. 1485
   • Onde podes ver: Galeria Uffizi, Florença, Itália

   O Nascimento de Vénus é uma pintura que representa a deusa romana do amor a emergir do mar. A pintura é famosa pela sua composição e uso da cor, e é considerada uma das maiores obras-primas do Renascimento italiano.

   O Nascimento de Vénus é uma pintura criada pelo artista italiano Sandro Botticelli em meados da década de 1480. A pintura retrata a deusa Vénus, ou Afrodite na mitologia grega, de pé numa concha e a ser soprada em direcção à costa por Zéfiro, o deus do vento oeste. No lado direito da pintura, uma figura feminina, provavelmente uma das Horae, ou deusas das estações, estende a mão para vestir Vénus com uma peça de vestuário floral.

   A pintura é notável pela sua composição graciosa e pelo uso da cor. Botticelli era conhecido pela sua capacidade de criar linhas delicadas e fluidas, e O Nascimento de Vénus mostra esta habilidade com grande efeito. As cores suaves e pastel da pintura e as pinceladas delicadas criam uma sensação de beleza etérea e de outro mundo.

   O Nascimento de Vénus foi criado durante o Renascimento italiano, um período de grande actividade artística e intelectual em Itália e em toda a Europa. A pintura reflecte o interesse do Renascimento pela mitologia clássica e pelo humanismo, que enfatizava o valor da experiência e do conhecimento humanos.

   Actualmente, O Nascimento de Vénus encontra-se na Galeria Uffizi, em Florença, Itália, onde é uma das obras mais populares e frequentemente visitadas do museu. A pintura continua a ser admirada e estudada pela sua beleza e pela sua importância na história da arte renascentista italiana.

7. A Ronda Nocturna

   A Ronda Noturna (pormenor) Rembrandt, domínio público, via Wikimedia Commons

   • Artista: Rembrandt van Rijn
   • Ano: 1642
   • Onde podes ver: Rijksmuseum, Amesterdão, Holanda

   A Ronda Noturna é uma pintura que retrata um grupo de milicianos em Amesterdão. O quadro é famoso pela sua utilização de luz e sombra e pela sua composição dinâmica.

   A Ronda Noturna é uma pintura criada pelo artista holandês Rembrandt van Rijn em 1642. A pintura retrata um grupo de milicianos liderados pelo capitão Frans Banninck Cocq e pelo seu tenente, Willem van Ruytenburch, que se preparam para sair em marcha. O quadro é também conhecido como "A Companhia de Frans Banninck Cocq e Willem van Ruytenburch".

   A Ronda Nocturna é notável pelo seu tamanho, medindo cerca de 3,5 metros por 4,5 metros. É também conhecida pelo seu uso de luz e sombra, que cria um efeito dramático e dinâmico. A pintura é iluminada do lado esquerdo, com a luz a incidir sobre as figuras no centro da pintura. As figuras do lado direito estão parcialmente na sombra, o que aumenta a sensação de profundidade e realismo da pintura.

   A Ronda Nocturna foi criada durante a Idade de Ouro holandesa, um período de grande prosperidade artística e económica nos Países Baixos. A pintura reflecte o interesse holandês pelo orgulho cívico e pelo patriotismo, bem como a importância das milícias cívicas na manutenção da ordem e na protecção do país.

   Actualmente, A Ronda Nocturna encontra-se no Rijksmuseum, em Amesterdão, onde é uma das mais famosas e valiosas posses do museu. A pintura é considerada uma obra-prima da arte barroca holandesa e é admirada pela sua composição complexa, pelo uso de luz e sombra e pelo retrato realista das figuras.

8. As Meninas

   Diego Velázquez, Domínio público, via Wikimedia Commons

   • Artista: Diego Velázquez
   • Ano: 1656
   • Onde podes ver: Museo del Prado, Madrid, Espanha

   Las Meninas é uma pintura que retrata a família real espanhola e os seus cortesãos. A pintura é famosa pelo seu uso da perspectiva e pela sua composição complexa, que tem sido objecto de muitas análises e interpretações.

   Las Meninas é uma pintura do artista espanhol Diego Velázquez. Foi pintado em 1656 e retrata a família real espanhola, incluindo o Rei Filipe IV e a sua esposa, a Rainha Mariana, rodeados pelos seus cortesãos e criados. O quadro é considerado uma das maiores obras-primas do Século de Ouro espanhol.

   Las Meninas é notável pelo uso da perspectiva e pela sua composição complexa. Velázquez criou uma sensação de profundidade usando um ponto de fuga localizado atrás das figuras na pintura, que atrai o olhar do espectador para o centro da tela. A pintura também é notável pelo seu grande tamanho, medindo aproximadamente 3 metros por 3 metros.

   A composição do quadro tem sido objecto de muitas análises e interpretações. Alguns historiadores de arte sugeriram que Velázquez se incluiu a si próprio no quadro, reflectido no espelho ao fundo da sala. Outros sugeriram que o quadro é um comentário sobre o papel do artista na sociedade, sendo Velázquez retratado como um membro da corte e não como um estranho.

   Actualmente, Las Meninas encontra-se no Museu do Prado, em Madrid, onde é um dos bens mais populares e apreciados do museu. A pintura é admirada pela sua execução hábil, composição complexa e uso inovador da perspectiva, e é considerada uma obra-prima da arte barroca.

9. Meisje met de parel

   Meisje met de parel (pormenor) Johannes Vermeer, Domínio público, via Wikimedia Commons

   • Artista: Johannes Vermeer
   • Ano: 1665
   • Onde podes ver: Museu Mauritshuis, Haia, Holanda

   A "Meisje met de parel" é uma pintura do artista holandês Johannes Vermeer. A pintura retrata uma jovem mulher com um turbante azul e dourado e um grande brinco de pérola. O fundo é escuro e a iluminação é dramática, com a luz a incidir sobre o rosto e o brinco da rapariga. O quadro é considerado uma obra-prima da pintura holandesa da Idade de Ouro e é uma das obras mais famosas de Vermeer."

   A "Meisje met de parel" é uma pintura de Johannes Vermeer, um artista holandês do século XVII. A pintura retrata uma jovem anónima que usa um turbante azul e dourado e um grande brinco de pérola. O fundo da pintura é escuro, criando um efeito dramático, e a iluminação é focada no rosto e no brinco da rapariga, dando-lhes uma qualidade luminosa. O quadro é amplamente considerado uma obra-prima da pintura holandesa da Idade de Ouro e é uma das obras mais famosas de Vermeer.

   Apesar da sua popularidade, a identidade da rapariga do quadro continua a ser um mistério. Alguns historiadores de arte especulam que pode ter sido uma empregada doméstica na casa de Vermeer, enquanto outros acreditam que pode ter sido um modelo da vida real ou mesmo um retrato idealizado da esposa do artista. Independentemente da sua identidade, a expressão enigmática da rapariga e o uso da luz e da sombra na pintura capturaram a imaginação dos espectadores durante séculos. Actualmente, a "Meisje met de parel" pode ser vista no museu Mauritshuis em Haia, Holanda, onde continua a ser uma obra de arte adorada e icónica.

10. O beijo

    O Beijo (pormenor) Gustav Klimt, Domínio público, via Wikimedia Commons

    • O artista: Gustav Klimt
    • Ano: 1907-1908
    • Onde podes ver: Österreichische Galerie Belvedere, Viena, Áustria

    O Beijo é uma pintura que retrata um casal a abraçar-se e a beijar-se, rodeado por padrões ornamentados e decorativos. A pintura é famosa pelo seu tema sensual e erótico, bem como pela utilização de folha de ouro e outros elementos decorativos.

    "O Beijo" é uma pintura do artista austríaco Gustav Klimt, criada durante o auge do movimento Art Nouveau, em 1907-1908. A pintura apresenta um casal envolvido num abraço e beijo apaixonados, com o homem inclinado sobre a mulher e ambas as figuras rodeadas por uma aura dourada. Os padrões elaborados e ornamentados no fundo são característicos do estilo característico de Klimt, que combinava frequentemente técnicas de pintura tradicionais com elementos decorativos inspirados na arte do antigo Egipto e de Bizâncio.

    O quadro é amplamente considerado como uma das obras-primas de Klimt e é celebrado pelo seu tema sensual e erótico. O abraço das duas figuras é íntimo e intenso, transmitindo uma sensação de emoção e desejo intensos. A utilização de folha de ouro e de outros elementos decorativos contribui para as qualidades luxuosas e sensuais da pintura e para a sua popularidade e influência duradouras.

    "O Beijo" pode ser visto na Österreichische Galerie Belvedere em Viena, Áustria, onde é considerado um dos trabalhos mais importantes do museu. Foi também objecto de numerosas reproduções e adaptações e é amplamente reconhecida como uma das imagens mais emblemáticas da história da arte.

Estes 10 quadros não são apenas obras de arte icónicas, mas também obras-primas que valem bem a pena visitar para ver pessoalmente. Cada quadro conta uma história única e oferece um vislumbre do génio artístico do seu criador. Desde o sorriso enigmático da Mona Lisa até às estrelas rodopiantes de A Noite Estrelada, estes quadros cativaram o público durante gerações e continuam a inspirar-nos e a comover-nos hoje em dia.

Por isso, se tiveres oportunidade, recomendamos vivamente que visites os museus onde estas pinturas estão alojadas para experimentares a sua beleza e poder em primeira mão.